Nicolas Sanchez L.

Capitalismo y melancolía: Conversación con Pamela Prado

Noah’s raft, (living off) the fat of the land2011 HD Video, Color, Sound, 12’ 50”

Capitalismo y melancolía Las ideas de progreso que acarrea un capitalismo practicado como religión y norma arrasan a su paso cualquier vínculo histórico, social, sensible o mnémico (de memoria y recuerdos); cualquier conexión posible con el medio. De ahí que el artista conduzca una búsqueda y rescate de pasadas sensibilidades históricas (principalmente el romanticismo de finales del s.XVIII) que nacieron como respuestas a un diagnóstico similar, que ahora actualiza de manera un tanto post apocalíptica y desesperanzada.

Pero esta respuesta del arte no sólo acarrea sentimientos de melancolía, hastío, cansancio y aburrimiento, sino también nuevas energías que recuperan, anhelan e imaginan otros espacios, otras formas de vivir, pero esta vez en clave de micro utopías; unos ideales de modestia necesaria a la hora de enfrentarse a una lógica dominante muchísimo más poderosa.

Las acciones que realiza Nicolás Sánchez son casi siempre anecdóticas, relatos pretexto para hablar de otras cosas que finalmente son las que atraviesan y estructuran su trabajo. Un partido de fútbol, una deriva con amigos por zonas periurbanas, una receta de mermelada, una conversación casual, una conexión ilegal, la persecución del tendido eléctrico, la construcción de una balsa y el zarpe sin rumbo, son todas acciones que apuntan a lo mismo: revelar ciertas situaciones urbanas, rescatar memorias olvidadas, reivindicar otras velocidades, reclamar espacios perdidos, recuperar otras maneras de relacionarnos con el entorno y con los otros, evidenciar la necesidad de otros espacios y tiempos para el intercambio y el vínculo social, descubrir otras dinámicas y alumbrar nuevas alternativas como gestos de resistencia al creciente aplanamiento, la incomunicación, homogeneidad y soledad.

A continuación una entrevista a raíz de la muestra Microutopías, pero que bien puede hablar por todo un trabajo, de impacto mínimo quizás, pero de grandes resonancias metafóricas.

Pamela Prado: ¿En qué consiste la obra que presentas en Microutopías?

Nicolás Sánchez: El trabajo se llama La balsa de Noé (living off) the fat of the land y su nombre proviene del relato bíblico en donde Dios ordena a Noé construir una balsa para ir en busca de otra tierra, “en donde germine la semilla de una nueva humanidad”. La parte en inglés del título – living off the fat of the land – también comparte ese origen, y su significado original hace referencia a vivir de la fertilidad y abundancia de la tierra, frase que hoy traduzco tristemente como vivir de la grasa de las capitales. Concretamente la instalación en la galería consiste en la proyección de un video que registra el proceso de construcción con desechos, de una balsa en la que navego aguas abajo el río Mapocho, embarcación que también es parte de la muestra.

PP: Me gustaría saber dónde trabajas. En tu taller? Casa?

NS: No tengo taller, he intentado usar la ciudad para eso. Mis materiales provienen de ahí y es ahí donde los trabajo e instalo. Mi casa es mi estudio, donde realizo el trabajo previo y posterior, más detallado y lento, de planificación, análisis y edición.

PP: ¿En qué grado tu trabajo es artístico y en qué grado es político?

NS: Mmm creo que mi trabajo es político en la medida en que es artístico. Siempre mi visión y práctica del arte han tenido que ver con la resistencia a entender la vida como un cookie cutter. Y esta postura inevitablemente crítica, contraria y testaruda carga y significa el trabajo políticamente. Me gusta pensar mis trabajos desde esa indisolubilidad del arte y la vida que plantea Joseph Beuys, o desde el lema feminista “lo personal es político”, que define el arte como una actitud de vida crítica.

PP: ¿Cuáles son los elementos que están presentes constantemente en tus obras?

NS: Me interesa aislar dos; por un lado la búsqueda – en sentido metafórico y también literal- provocada por una insatisfacción constante y quizás imposible de colmar, que puede finalmente obedecer a la búsqueda mítica del axis mundi. Por otro lado está el carácter romántico, la aproximación melancólica a la realidad, un tanto desesperanzada y post-apocalíptica pero que en su hastío acarrea un asomo de alegría o esperanza.

PP: ¿Quiénes son tus referencias?

NS: Respeto mucho el trabajo de Joseph Beuys, los Situacionistas, los paisajistas románticos, Robert Smithson, Richard Long, Edward Hopper, Andreas Gursky y Francis Alÿs por nombrar algunos de la esfera de las artes visuales. Si me permites ampliarme me gustaría nombrar a los poetas malditos, a H.D. Thoreau, Manfred Max-Neef, Adolfo Aristarain y Charly García.

PP: En tu trabajo hay una crítica fuerte al Capitalismo, ¿podrías desarrollar un poco más este punto?

NS: Yo creo que la crítica que atraviesan mis trabajos en general, más que aterrizarla al modelo económico y su funcionamiento... discusión muy poco poética por lo demás... es a su aplicación como religión, ideología y modelo único. Es decir, llevar el valor de cambio a todos los niveles de la vida humana es ver y entender el mundo de manera muy incompleta, a la manera de un gran supermercado. Eso ha desencadenado ciertas ideas de progreso en donde el aplanamiento progresivo del mundo es celebrado en forma de suburbios aislados, torres habitacionales y ciudades dormitorio unidas por autopistas de 6 vías, por decir sólo un ejemplo ligado a la vida urbana.

PP: Cuando hablo de micro-utopías es en relación a como tu obra tienen un impacto social, como fuerza a cuestionar las estructuras de la sociedad, renunciando a cambiar el mundo pero presentando realidades alternativas. ¿Cuáles consideras que son estas realidades?

NS: No sé si las realidades que presento son muy definidas, pero sí al menos sugiero un territorio desde donde imaginarlas. Lugares efímeros donde operan otras coordenadas de sentido, donde tras la grasa de las capitales está la memoria, los recuerdos, la historia, la cultura, el conocimiento, la contemplación, la relación con la naturaleza, la escala y velocidad humana, la auto- contención, el vínculo social, la generosidad y la comunicación que finalmente nos permiten entendernos y entender lo que nos rodea de maneras más ricas y diversas.

PP: ¿De qué manera tu trabajo se relaciona con el espectador?

NS: Intenta justamente invitarlo a estas nuevas realidades, a crear las suyas propias. Y aquí rescato la importancia del gesto en mi trabajo, por ser más sugerente en su actitud que efectivo en su acción, por ser, más que una obra terminada para admirar, una sugerencia, una invitación donde el propio deseo del espectador puede surgir. Está la intención de iluminar con poesía modos alternativos de vida, formas creativas de habitar, otras visiones sobre la realidad.

Pamela Prado es curadora de arte contemporáneo. Actualmente trabaja como coordinadora nacional de Artes Visuales del Ministerio de Cultura en Chile, también a cargo de la galería Gabriela Mistral. Licenciada en Filosofía de la Universidad de Chile (2000), es además Magíster en Curatoría en el Royal College of Art en Londres (2009). Durante los últimos 10 años ha realizado una serie de estudios y trabajos que integran Arte y Filosofía con Curatoría. Entre las exposiciones que ha curado se incluyen: “Wonderland: Actions and Paradoxes” (Centro Cultural Sao Paulo, Sao Paulo, Febrero 2010), “Office of Real Time Activity” (Royal College of Art, Londres, Marzo 2009), entre otras. Pamela Prado además organizo el Seminario: “El Nuevo Archivo. Documentando las artes visuales de Latino América” (Royal College of Art, Londres, Mayo 2009). Ella también ha realizado algunas publicaciones y entrevistas: catalogo para la exposición Friends of the divided mind, Royal College of Art, Londres, 2009; entrevista al curador Moacir Dos Anjos, (Exit Express, No. 47, Madrid, España, 2009); “Alfredo Jaar. Los ojos de Gutete Emerita” (Santiago, Chile, Septiembre 2010), entre otras publicaciones. El 2009 en colaboración con la teórica de arte Sidsel Nelund fundaron Curating Contexts, una plataforma para la investigación, discusión y reflexión en torno al arte contemporáneo en Chile.

Fotografías que quedan

Tourists (Causeway II)Tourists Series (Threnody I). Digital C-Print, 60 x 40 inches, Oak box framed

La fotografía como arte de la representación (que trae trozos del pasado al presente, que es siempre una reflexión sobre la nostalgia, el tiempo y la muerte) encuentra su máximo exponente teórico en Roland Barthes y su libro “La cámara lúcida”. Barthes distingue 2 elementos fundamentales en una fotografía: el studium y el punctum.

Fotografiar es interiorizar el mundo, asimilarlo, comprenderlo, apropiarselo. Fotografiamos cosas para ahuyentarlas de la mente, decía Kafka

El studium, tiene que ver con el gusto construido por la cultura y que hace al espectador interesarse por una fotografía e incluso emocionarse (racionalmente, pues es un gusto aprendido, aprehendido). Es el interés general por una o por un tipo de fotografía que nos complace y que le permitimos su existencia ante nuestros ojos.

Pero el paso de esa complacencia hacia una marca, de un grito a una herida punzante es el que está condicionado por el punctum. El punctum de una fotografía es aquella parte que nos punza, que nos llama, nos señala, nos atrapa y cautiva; “es ese azar que (…) surge de la escena como una flecha y viene a clavarseme”. El punctum “puede llenar toda la foto” (….) aunque “muy a menudo sólo es un detalle”, mal educado, íntimo y a menudo innombrable, con una fuerza de expansión metonímica (que señala una cosa mediante otra).

Así tenemos fotografías que se quedan en un campo, que no tienen un significado, ni llevan implícito un discurso, que no van más allá de si mismas, que no provocan deseo ni desencadenan retóricas. Son fotografías nombrables, siguiendo a Barthes cuando dice “lo que puedo nombrar no puede realmente conmoverme”. Pero el punctum las hace explotar, crea un campo ciego, un más allá del campo fotográfico, un punto de fuga al infinito, un significado personal, íntimo y particular que conmueve.

La técnica está en los libros, la práctica hace al maestro, el studium viene casi de fábrica junto a tantos otros códigos culturales. La búsqueda constante sin embargo, es el punctum, la mirada fotográfica que no se adquiere con facilidad, que va más allá de temáticas, técnicas, fijaciones o fetiches. En la mirada y su búsqueda está la insistencia de mostrar, decir y afirmar en la misma dirección, fotografíe el autor glaciares o ruinas, bosques o aceras, en “su pugna por llegar a un acuerdo con las fuerzas invisibles a cuya merced está y ha de estar siempre, persiga mamuts o persiga la luna”, como decía Sigfried Giedion.

Premio Juan Downey 2009: Resistencia poética

Algún lugar encontraré2008 DVD Video, color, sound, 10’

Por Carolina Lara B. (Periodista)

Entre un centenar de propuestas, fue premiada la obra “Algún lugar encontraré” del chileno Nicolás Sánchez, en el Concurso Latinoamericano "Juan Downey" uno de los ejes de la Bienal de Video y Artes Mediales, recién concluida en Santiago de Chile. El certamen busca reconocer nuevos talentos y fue creado en 1993 en homenaje a Juan Downey (1940-1993), artista chileno que marcó los comienzos del video arte en el mundo. El jurado –que formaron los teóricos Arlindo Machado (Brasil) y Rodrigo Alonso (Argentina), junto a la artista chilena Ingrid Wildi–, destacó ese video por su economía de medios, su dimensión poética, y “por revelar situaciones contemporáneas de supervivencia y resistencia creativa”.

En las imágenes acompañadas de música original de hermano-hermano, es el propio Nicolás Sánchez quien recorre descampados y suburbios de una ciudad, recolectando desechos que le sirven para construir una balsa, en la que emprende un viaje a través de un río. De fondo, vemos un paisaje post-industrial. Fue realizado en 2008 durante un Máster en Arte Público en la Universidad Politécnica de Valencia, España, donde el autor culmina ahora un Doctorado en Arte: producción e investigación, encauzado en el mundo del video, luego de titularse en la Escuela de Arte de la Universidad Católica de Santiago.

¿Hacia dónde apunta el tema del video?

El tema de trasfondo, desarrollado en mi tesis, apunta a trasformar actos cotidianos en acciones poéticas, en sitios especiales de la ciudad. Son acciones registradas con economía de medios; sin edición compleja, soy sólo yo y la cámara. Es una búsqueda de formas que se generan por la actividad de las ciudades y de los sentimientos que despiertan esos sitios. 

¿Qué carácter tienen los lugares que registras?

Son decadentes, intermedios, resultado del desarrollo y de las formas de producción urbanos; territorios que están a la vez cargados. Me interesa el tono poético que libera a esos lugares. Como en esa toma final donde parece que se construye algo nuevo. 

¿Hablas de desechos, de “reciclaje”?

De transformación. De actos súper sencillos y de nuevas posibilidades de relaciones contemporáneas. 

¿Por qué te interesó participar en el Concurso “Juan Downey”?

Me interesó mostrar por primera vez mi trabajo, porque considero que es la instancia precisa. La bienal es muy importante a pesar del poco financiamiento que recibe. Mis videos, además, tienen mucho de “resistencia crítica”, el lema de la 9na. versión. Pero no es una resistencia ideológica sino creativa, que hace poesía de lo cotidiano. Propone seguir buscando y creer que no todo está perdido.

¿Qué significa el premio para ti? 

Es la posibilidad de terminar mi doctorado en España y de seguir investigando; el impulso para seguir desarrollando una temática que sitúo entre el capitalismo y la melancolía. -

Ver más en: arteporexcelencias.com

Recuperar la calle (o de la relación entre el capitalismo y mi tendencia a la melancolía)

Algún lugar encontraréVideo still, Digital C-Print, 60 x 40 inches, Oak box framed
You haven’t heard about the butterfly-wing theory? When a butterfly flutters its wings somewhere in China, they affect everything else in the world. That little flutter, what it causes, is connected to absolutely everything else. There is nothing, nothing, no action, no matter how small, how insignificant, how invisible, between the blood cells, that does not set the next thing in motion, and that sets the next, and that goes on, and on, and on… and changes the world.
Jonas Mekas, Step across the border [película] dirigida por Nicolas Humbert y Werner Penzel Alemania, 1990. (90 min.) , son., col.

Les comparto mi tesis de Máster, por si a alguien le interesara o sirviera como referencia para investigar en temas relacionados al situacionismo, los terrain vagues, el concepto de paisaje, el movimiento romántico, la ciudad, el espacio público, Joseph Beuys, Henry David Thoreau, etc, todo analizado a la luz de la unión entre Arte y Vida. Pueden leerla online.

Exceso de velocidad

Shots from the bike tourBurning outskirts

Por Rodrigo Galecio A.

La relación con la tierra comienza por el habituamiento a la correspondencia de las partes que componen la casa en la que habitamos. La arquitectura, en este sentido, es en primer lugar una costumbre y, luego, una medida que nos permite dimensionar, representarnos o imaginar, por ejemplo, la distancia que existe entre un lugar y otro. Por ello, transitar por un recinto se puede pensar como un trabajo de reconocimiento. A otra escala, pero igualmente determinado por las proporciones de la arquitectura, lo mismo es posible al emprender un viaje por la ciudad. Pero no es lo mismo si lo hago a pie, en bicicleta, en automóvil o en algún medio de transporte público. Cada uno de estos vehículos es una velocidad diferente, luego, formas distintas de consumir el tiempo, el espacio, precisamente, la realidad.

La pregunta de Nicolás Sánchez, que hace a través de su obra, es una que inquieta la lentitud por oposición a la aceleración del agotamiento espectacular de la realidad provocada por el abuso de las prótesis tecnológicas y, a su vez, la distorsión que generan respecto de la percepción del mundo las redes de telecomunicación y, así, de la inevitable instrumentalizada y, luego, alterada relación del hombre en términos de sociabilidad y en lo relativo a la costumbre de la ciudad.

La experiencia de Santiago, en este sentido, es como la de otra ciudad a cada momento, pues, es la imagen de una ciudad que se olvida tras la pantalla del artificio de la velocidad, el espectáculo (la publicidad aún no ha terminado de invadir cada rincón que le ha sido posible) y el dramático acontecer apresurado de su estado rónico de destrucción y reconstrucción, lo cual, por otra parte, deviene en fuertes contradicciones desde el punto de vista de las prácticas sociales y urbanas que surgen de esta dinámica.

Lo que el viaje señala, en este caso particular, guarda relación estricta con su destino: Galería Metropolitana, la cual, en cuanto cuerpo plástico y por ubicación, ofrece desde sí lecturas complejas por contradictorias a cualquier obra que se le aproxime o que ella acoja. Porque el mérito o el plus de Galería Metropolitana, en cuanto dilema económico-cultural, además de jugar en el columpio con la idea de marginalidad y ser espacio de arte al mismo tiempo, es enfatizar lo emergente y lo residual simultáneamente. Los materiales de su edificio (modulados industrialmente) no se pueden caracterizar como tradicionales ni nostálgicos, aunque técnica e históricamente puedan serlo ya. La construcción se autoseñala a partir de una estrategia de contraste por oposición material y formal al contexto y, sin embargo, se emplaza aparejada (como una especie de ironía mordaz del tipo de ampliación vernacular típica del barrio) a una casa estándar de un sustrato de la clase obrera que ya podríamos entender como tradicional por apegada a unas costumbres que no rechazan claramente motivaciones ideológicas conservadoras como la familia y el vecindario; en este caso, con sus casitas, sus almacenes, panaderías de esquina, ferias y peatones aún transitando considerablemente. Justamente, todo lo opuesto respecto del contexto urbano desde el que inicia el artista su marcha. Porque en éste, el peatón, el hombre, ha desaparecido en el mall o en, ahora, el hipermercado, en la velocidad del automóvil y en la borradura más brutal del antiguo barrio, el vecindario y la casa de familia tradicional. Eso sí, manifestándose una renovación tecnológica y consideración con el contexto sólo en algunos pocos edificios, pues, prácticamente la totalidad de ellos son simplemente tortas de hormigón armado indiferentes a la idea de emplazamiento.

En fin, lo que este viaje manifiesta implícitamente es que la ciudad (aunque más bien, metrópolis o, quizá ya, megalópolis) de Santiago es una contradicción apologética, en la que conviven la fuerza transformadora y espectacularidad de la lógica cultural del capitalismo tardío (claro que como retardado, retrasado o moroso) y la pobreza y chabacanería propias del subdesarrollo que lo retienen en un estado no avanzado.

Eriazos en el paisaje urbano: Lugares vacíos

InstallationDetail of wall embeded slide

El proyecto nace de la necesidad de estimular una reflexión entre disciplinas que en el último tiempo se han visto referidas mutuamente. Este se presenta como necesaria instancia de diálogo entre áreas que por momentos tocan límites ajenos al transgredir los suyos propios, ambos cada vez más difusos.

La instalación pretende provocar un giro reflexivo en la mirada y considerar los espacios como territorios de relaciones complejas, que reflejan problemáticas sociales, económicas, culturales y políticas; imaginarlos como verdaderos artefactos arqueológicos por el palimpsesto de sus múltiples historias, cada una de las cuales interviene y reinventa las otras. Se busca repensar estos espacios desarticulados y tensionarlos a partir de su complejidad como testigo damnificado de/por su propia historia. Se intenta de modo creativo mostrar el espacio como si fuera por vez primera. Reflexionar en torno al cómo articulamos y ocupamos el espacio, la ciudad.

Quien quiera hablar en medio de una escena altisonante puede recurrir a dos expedientes: o gritar más alto que el ruido del ambiente o bajar la voz rozando el silencio, hasta callar quizá, e instalar así una pausa, un contrapunto en el discurso caótico de un espacio descontrolado.... Ticio escobar

Pensar, habitar, significar el margen

Vanos, intersecciones, desniveles, zócalos, salientes, aleros, esquinas. Zonas residuales alejadas de cualquier ideal de espacio expositivo, áreas contaminadas visualmente que cualquier artista rechazaría para el montaje de su obra, son ahora justamente escenario de poco mas de 30 diapositivas en color tomadas de distintos sitios baldíos de santiago. La instalación, de mínima presencia [material], cede en una primera instancia el protagonismo al espacio mismo, para luego descubrirse silenciosa creando un vínculo entre la imagen y su emplazamiento. Este diálogo entre espacios y lugares que comparten una estética de sobrante precisa pensar estos desde su condición de margen.

La galería como espacio expositivo fuera del circuito comercial estimula una reflexión sobre la producción y circulación del arte contemporáneo: la relación con sus espacios de exposición [a veces abstraída de todo tiempo y espacio, objeto de culto / templo consagrador] y las condiciones de estos últimos, manifiesto de los ardides [tanto de maquillaje estructural como de balance presupuestario, de gestión, de bluff burocrático, etc.] obligados para sobrevivir.

Los eriazos como zonas dejadas por la especulación inmobiliaria ostentan melancólicamente su ausencia de sentido, su absoluta incoherencia y falta de significado en un contexto hiper utilitario. Estos, paradójicamente zonas marginales en el centro [santiago poniente], nos muestran la imagen de una ciudad que se niega a si misma, que derriba su historia, que se construye sobre si misma destruyéndose en este mismo acto.

Los arquitectos construyen y los artistas destruyen. Gordon matta-clark

Inters_ticios

Lugares intermedios, espacios dejados, ignorados, cedidos. Testigos y rehenes de una marcha acelerada y desmesurada, son habitados o utilizados de una manera inesperada, de otra forma para la cual fueron pensados, o mas bien, no pensados. Estas oquedades dejadas por la razón, son liberadas al re-significarlas en un sentido estético y poético; metáfora de heridas abiertas, fisuras y grietas donde se cuela la nostalgia, el desconcierto y la desolación.

El margen, como tal, se presenta no solo exhibiendo su evidente condición baldía sino también la de políticas [o su ausencia] de las cuales es heredero. A esta ciega posición se le opone una necesidad de espesor cultural, de engrosar el cuerpo significante de la ciudad [su historia, su cultura, su arquitectura… sus tramas] y su expresión mas viva; los habitantes [como usufructuarios de esta].

Pensar la ciudad como cuerpo histórico que desde la experiencia humana y ligada a sus necesidades, muy lejos de utopías modernistas de la casa como maquina de habitar, se logre establecer densa y a la vez abierta urbe. Dar forma y guiar de manera contenida un proceso de transformaciones urbanas improbables de frenar, evitar una carencia que genera huella profunda, no solo en la fisonomía de la ciudad, sino también en su historia [política, social, cultural, arquitectónica, etc.], gestora de su fuerza, carácter y sustancia. Estas fisuras, rastros sobre el uso y desuso de nuestra ciudad, su historia y su presente maltratado son vacíos que dan lugar a grandes contradicciones y paradojas.

Nicolas Sanchez L.