Nicolas Sanchez L.

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We spin around the night and are consumed by fire: Cecilia Brunson talks with Nicolás Sánchez

The sun descending in the west,
The evening star does shine;
The birds are silent in their nest,
And I must seek for mine
Night by William Blake
As human beings, our greatness lies
not so much in being able to remake the world
as being able to remake ourselves
Mahatma Gandhi

Nicolas Sanchez artistic practice is pulled by an incessant need to wander. He has built a consistent and diverse body of work that incorporates performance, film, installation and photography, and many of it is made in wide-ranging and often inaccessible geographic locations such as Siberia and Patagonia. Other works explore themes closer to home: such as the study of the London pubs and the city of London depicted during the ‘graveyard hour’ of the slowest night of the drinking week, as seen in this exhibition at Sala Gasco. Between Walter Benjamin’s Flâneur and Edward Hopper’s Nighthawks, he situates himself as both observer and subject within the work. All in all, Nicolás Sánchez practice makes a deep and evocative argument that oscillates around a permanent sense of loss. Just as Romanticism arose in response to the excess of 18th Century rationalism and its broken utopian promises, Sanchez uses his landscapes as a form of romantic escapism whilst breathing into them a feeling of desperation, melancholy, anger and hope.

The following is a conversation between curator Cecilia Brunson and the artist Nicolás Sánchez that had place on Cecilia Brunson Projects at London, UK, on a rainy Saturday of September 2013.

Nicolas, I have to say that when you came with your first picture, I knew you had a really interesting project in hands, and my fingers itched to make an exhibition. How did you come about these images of pubs at night?

The project arose from the need to do something with that infinite city, to respond to that universe which are big cities where we seem to get together to feel less alone, and paradoxically we isolate ourselves through the same impulse. But London is so hyper photographed that I decided to start exploring the city at night -when everything which is clear and known becomes diffuse without precise boundaries -, on its empty hours, on Sunday midnights. One of the things that immediately caught my attention was this image of the pubs at their closing hour. This old British institution, this gathering place of artists, intellectuals, writers, poets, bohemians and anonymous night owls of every age, appeared for me in a whole new perspective. They were like sinking ships in the middle of the night, where a handful of castaways, contained and never content, seem to want to postpone the damn hour when the bars are about to close. It was a very seductive mix of pleasure and despair but in a kind of harmony. I was at first sight shocked and in love with this image.

And the night itself has been a subject for so many artistic movements...

Especially for the Romantics, that I admire a lot... they found in the night an alternative to the clarity of the enlightenment. I think it is the same again... The night appeared as a stage full of metaphors about the paradox of human experience in the city, about that endless search and our need to complete ourselves.

Yes!, and despite the darkness of the night, there is a sort of warmth coming out of the pub even though it’s at its closing hour...

It is part of this ambivalence of the image, although the pub is closing and this darkness is covering everything, then this sort of warmth appears... they, the patrons are a few, but they are carrying a fire, that is contrasting with the emptiness and quietude of the exterior. It is a very special and beautiful moment with a very special atmosphere...

In London pubs there is still the tradition of calling the closure with the phrase "time gentlemen please"...

Right. The parish rings a bell and announces the closing of the place; beers are hurried, farewells follow and with it the feeling of nostalgia that accompanies any ending. Outside, the city silently falls into shadows and the dim light of the streetlamps guides the last night owls home through empty streets and sidewalks.

And if we associate the work with Hopper obviously, and Manet... Is that something you would associate yourself with?

It was unavoidable, when I saw these pub images, to think in Hopper’s Nighthawks and secondly in Manet as you point...

I am thinking of his “Bar at the Folie-Bergere” painting...

Absolutely, this sad girl behind the bar... but mostly Hopper. He was the portrayer of the great depression at the United States, of the hopeless sensation behind the optimism in the economic growth. I love when Hopper paints empty houses or buildings because he is actually painting people, portraits of people even though you can’t see them

I find that really interesting, because, just like hopper was capturing that moment of depression, you are capturing a city in a moment where there is an absolute affluence, and it’s a culture of excess. Is this a sort of critique?

It’s just the bringing back of historic sensibilities... more than a critique I prefer to talk of an awareness of the gigantic shadows that the future projects in our present -following Shelley, the poet-. And part of the seductiveness of these images is that you can see that affluence but you also can see the other side of the story. The feelings that these images awake may reflect a crisis of excesses, but also of shortcomings. I think that this double reading is interesting because it speaks of feelings transversal to all epochs.

Aha, and the image “Untitled (Lord Southampton, Belsize Park)”; for example? What’s the story behind it?

This has been Martha’s family pub for over 80 years. I know the story because many times, waiting for the perfect time, I went inside the pub and started talking with their owners. Martha is selling the pub, she is closing, nobody is coming, a buyer wants to build luxury apartments there. So I tried too, to make these portraits of pubs, like people’s portraits, just in the way I think Hopper did.

And what role do the photographs of parks in the middle of the night play within the entire photo series?

They are also nocturnal cityscapes of London, but with a wider, more distant gaze. In the logic of the series they function as context, as a more distant portrait but of the same moment in the middle of the night’s deepness. While outside the city sleeps, others plot their own revolution within their hearts, get lost in the nights in order to remake themselves every day, to change everything by changing themselves.

In the photos, but particularly in the video, as a viewer, it is very captivating and you feel a bit like a voyeur...

The idea was to immerse the viewer in this special atmosphere. It is very voyeuristic at first sight, but sometimes you get into the image and become part of the scene too...

And this kind of mounting of the photos, I think it helped a lot…

Exactly. At a quick look, you only see glare and reflections. But having a second gaze you start to see things, you penetrate the surface, you get into the scenery and find details in the shadows and capture the whole atmosphere. It was a way of slowing down the images...

And that’s what I find very appealing as well about this project. Normally I find that in photography, you look at pictures and you capture things immediately, whereas painting needs a different kind of time. And what these photographs do is link both worlds. There is a moment when you begin to see, to discover…

In all my works I always try to slow down the images with a steady and contemplative gaze and aesthetics. This has to do with the actual difficulty of the images to trigger a dive into ourselves. Most images nowadays only allude to the immediate, to the external. I think that art must be capable of slowing down the images as well as ourselves, to make us look inwards and detonate some sort of enquiry...

It’s like when your eyes need a moment to be able to see after entering a dark room

Yes that is a beautiful metaphor!

And the title of this series... ‘We spin around the night’, is also the title of Guy Debord’s 1978 film...

That’s right. The Situationists appeared, as in most of my work, in the act of wandering around the city, in this case, at night looking for pubs. In girum imus nocte et consumimur igni (we spin around the nights and are consumed by the fire) is an old latin palindrome (which can be read equally in both directions) that 
Debord rescued –in my point of view- as a tribute to those who are searching without sleeping and get burnt by the fire...

So the performative component of your work... it is present here too?

Absolutely. Although I do not appear explicitly, for me the performative work is as present as in the other pieces. When you see the whole photo series and the video, with their titles that refer to specific places around the city, you realize in your mind the performance itself. This drifting was the performance and it is very present for me in a more metaphorical and beautiful way sometimes.

Your practice works really nice, reading it as an ethnographical investigation... you travel to different places and do very different things but all linked in a way.

Every place I have inhabited, for long or short periods, was a trigger for me. My creative process is deeply linked to a place; it’s a response to it, to a reality. It is a buffer for approaching it, for being capable of assimilating what I like but also what scares me.

And finally Nicolas, what projects you are currently working on?

I am currently working on the promotion and circulation of "Life is elsewhere", an artist film in which I worked on from 2010, a lyric documentary about a trip to Atacama and Patagonia in search for life. Additionally, I was earlier this year filming in Tangier, Morocco for a future project on immigration and search of freedom.

Both projects, so distant in geography and appearance, point towards different directions but to the same point. They return once and again to the same thing, to the usual, but which I can’t name easily. Roland Barthes said, “what I can name cannot really prick me. The incapacity to name is a good symptom of disturbance”, and it is with that finality that I use the image, to point towards that which I can’t name, that which disturbs me.

Damos vueltas por las noche y el fuego nos consume: Cecilia Brunson en conversación con Nicolás Sánchez

El sol desciende en el oeste.
La estrella nocturna comienza a brillar.
Las aves buscan silenciosamente su nido.
Yo el mío he de buscar
Noche, William Blake
Como seres humanos, nuestra grandeza yace
no tanto en poder rehacer el mundo
sino en poder rehacernos a nosotros mismos.
Mahatma Gandhi 

La práctica artística de Nicolás Sánchez es guiada por una incesante necesidad de andar. Ha construido un cuerpo de trabajo consistente y diverso que incorpora la performance, el video, la instalación y la fotografía. Muchos de los trabajos de Sánchez, se registran en un amplio abanico de lugares geográficos, a menudo inaccesibles como Siberia o la Patagonia. Otras obras exploran temas más cerca de casa, como el estudio nocturno de los pubs y la ciudad de Londres, realizado durante la hora más oscura, en la jornada más lenta del trasnoche semanal, como se puede ver en la actual muestra de Sala Gasco. Entre el Flâneur de Walter Benjamin y los Noctámbulos de Edward Hopper, Sánchez se sitúa a sí mismo tanto como observador y sujeto dentro de la obra. En conjunto, la práctica de Nicolás Sánchez, construye un argumento profundo y evocativo que oscila alrededor de un permanente sentimiento de pérdida. Así como el Romanticismo surge en respuesta a los excesos del racionalismo del siglo XVIII y sus utópicas promesas incumplidas, Sánchez utiliza sus paisajes como una forma de escapismo romántico, mientras impregna en ellos un sentimiento de desesperación, melancolía, ira y esperanza. 

La siguiente es una conversación entre la curadora Cecilia Brunson y el artista Nicolás Sánchez que tuvo lugar en Cecilia Brunson Proyects en Londres, Reino Unido, un lluvioso sábado de septiembre 2013. 

Nicolás, tengo que decir que cuando me mostraste la primera imagen de esta serie, de inmediato supe que tenías un proyecto muy interesante entre manos y que había que mostrar. ¿Cómo llegaste a estas imágenes nocturnas de Londres?

El proyecto surgió de la necesidad de hacer algo con esa ciudad infinita, de responder a ese universo que son las grandes ciudades, donde pareciésemos juntarnos para sentirnos menos solos, y paradojalmente nos aislamos en el mismo impulso. Pero Londres está tan hiper fotografiado que decidí comenzar a explorar la ciudad durante la noche -cuando todo lo claro y conocido se vuelve difuso y sin límites precisos- en sus horas más vacías, los domingos a media noche. Una de las cosas que inmediatamente atrapó mi atención fue la imagen de los pubs a sus horas de cierre. Esta antigua institución inglesa, este lugar de encuentro de artistas, intelectuales, escritores, poetas, bohemios y noctámbulos anónimos de toda época, apareció para mí en una perspectiva enteramente nueva. Eran barcos hundiéndose en la mitad de la noche, donde un puñado de náufragos contenidos y nunca contentos parecieran querer postergar esa hora maldita en que los bares a punto están de cerrar. Era una mezcla muy seductora de placer y desesperación, pero en una especie de armonía. Fue a primera vista que quedé impactado y encantado con esta imagen.

Y la noche misma ha sido un tema para tantos movimientos artísticos…

Especialmente para los Románticos que admiro profundamente… ellos encontraron en la noche una alternativa a la claridad de la ilustración, y creo que es lo mismo nuevamente. La noche apareció como un escenario repleto de metáforas sobre esa paradoja de la experiencia humana en la ciudad, sobre esa búsqueda sin final, sobre encuentros, desencuentros y nuestra necesidad de completarnos.

Si!, y a pesar de la oscuridad de la noche, hay una especie de calidez que sale desde los bares aun siendo sus horas de cierre…

Es parte de la ambivalencia de la imagen; si bien el bar está cerrando y la oscuridad está cubriéndolo todo, esta especie de calor aparece… los clientes son pocos, pero llevan un fuego que contrasta con el vacío y la quietud del exterior. Es un momento muy bello y especial, con una atmósfera muy especial

En los bares de Londres aún existe la tradición del llamado al cierre con el “time gentlemen please”…

Así es. El párroco del lugar da una campanada y vocifera el cierre del lugar; se apuran las cervezas de un sorbo, le siguen despedidas y con eso los sentimientos de nostalgia que despierta cualquier fin. Afuera la ciudad calla en sombras y la débil luz de las farolas guía a los últimos noctámbulos a casa por calles y veredas vacías.

Y si asociamos el trabajo con Hopper obviamente, y con Manet... ¿Es algo con lo que te identificarías normalmente?

Fue inevitable, cuando vi esta imagen de los bares, pensar en los Noctámbulos de Hopper, seguido de Manet como bien dices…

Estoy pensando en su pintura “Un bar del Folies-Bergère”…

Absolutamente, esta chica triste tras la barra... pero principalmente Hopper. Él fue el retratista de la gran depresión en los Estados Unidos, de la sensación de desesperanza tras el optimismo en el crecimiento económico. Me encanta cuando Hopper pinta casas o edificios vacíos, porque está de hecho pintando gente, retratos de personas, aún cuando no puedes verlas.

Eso lo encuentro realmente interesante, porque, así como Hopper estaba capturando ese momento de depresión, tu estás capturando una ciudad en un momento de total abundancia, inserta en una cultura del exceso. ¿Es una suerte de crítica?

Es sólo el rescate de pasadas sensibilidades históricas… más que de una crítica, prefiero hablar de una advertencia de las gigantescas sombras que el futuro proyecta en nuestro presente –siguiendo a Shelley, el poeta inglés-. Y parte de la seducción de estas imágenes es que puedes ver ese exceso, pero también el otro lado de la historia. Los sentimientos que despiertan estas imágenes, pueden ser el reflejo de una crisis de excesos, pero también de carencias. Creo que esa doble lectura es interesante, pues habla de sentimientos transversales a toda época.

Y esta imagen por ejemplo, “Untitled (Lord Southampton, Belsize Park)”; ¿cuál es ese otro lado de la historia?

Éste ha sido el pub familiar de Marta por más de 80 años. Conozco la historia porque muchas veces, esperando el momento perfecto, entraba en los bares y hablaba con sus dueños. Marta está vendiendo el bar, está cerrando, ya nadie viene; un comprador quiere construir departamentos de lujo aquí. Entonces, intento también hacer estos retratos de bares como retratos de personas, de alguna manera como lo hizo Hopper.

¿Y que papel juegan dentro de la serie las fotografías de parques en el medio de la noche?

Son también paisajes urbanos nocturnos de Londres, pero con una mirada más amplia, más distante. En la lógica de la serie funcionan como contexto, como un retrato más alejado pero del mismo momento en medio de la profundidad de la noche. Mientras afuera la ciudad duerme, otros traman su propia revolución en el interior de sus corazones, se pierden por las noches para encontrarse de forma nueva cada día, para cambiarlo todo cambiando ellos mismos.

En las fotos, pero particularmente en el video “Silent plot (The White Lion, Barbican)”, como espectador, es muy cautivante y te sientes un poco como un voyeur…

La idea fue introducir al espectador en esta atmósfera especial. Es muy voyeur como dices en una primera mirada, pero a veces entras en la imagen y te vuelves parte de la escena también...

Y esta técnica de montar y enmarcar las fotografías creo que ayuda mucho en esa dirección…

Exactamente. En un vistazo rápido, sólo ves brillo y reflejos. Pero en una segunda mirada comienzas a ver cosas, penetras la superficie, te metes en el escenario, encuentras detalles en las sombras, capturas la atmósfera completa. Fue una forma de ralentizar, de bajar la velocidad a las imágenes.

Y es eso lo que encuentro muy atractivo también de este proyecto. Encuentro que en general en fotografía, tu miras las imágenes y capturas las cosas de forma inmediata, cuando la pintura por ejemplo, necesita de un tiempo diferente. Y lo que estas fotografías hacen, es justamente vincular esos dos mundos. Hay un momento cuando empiezas a ver, a descubrir…

En todos mis trabajos siempre trato de reducir la velocidad de las imágenes con una mirada quieta y una estética contemplativa. Esto tiene que ver con la actual dificultad de las imágenes para gatillar una inmersión en nosotros mismos. La mayoría de las imágenes hoy en día sólo aluden a lo inmediato, a lo externo. Creo que el arte debe ser capaz de reducir la velocidad de las imágenes y de nosotros mismos, de hacernos mirar hacia adentro y de detonar una especie de pregunta...

Es como cuando tus ojos necesitan un momento para volver a ver al entrar en una habitación oscura…

Si, esa es una bonita metáfora

Y el título de esta serie “Damos vueltas por las noches”, es también el título del film de Guy Debord…

Así es. Los Situacionistas aparecen, como en la mayoría de mis trabajos, en el acto del deambular alrededor de la ciudad, en este caso, por las noches buscando bares. In girum imus nocte et consumimur igni (damos vueltas por las noches y el fuego nos consume) es un antiguo palíndromo en latín (que se lee de igual manera en ambos sentidos) que Debord rescató –en mi manera de verlo- como un homenaje a los que están buscando sin dormir y son consumidos por el fuego…

Entonces el componente performático constante en tu trabajo… ¿está presente aquí también?

Absolutamente. Si bien no aparezco explícitamente, para mí, el trabajo de performance esta tan presente como en otras piezas. Cuando tu ves la serie completa y los videos, con sus títulos que refieren a lugares específicos alrededor de la ciudad, tu imaginas la performance misma. Esta deriva fue la performance, y está muy presente para mí, incluso a veces de manera más poética.

Tu práctica funciona muy bien leyéndola como una investigación etnográfica… tu viajas a distintos lugares y haces trabajos muy distintos, pero todos vinculados de alguna manera...

Todos los lugares que he habitado por largos o cortos periodos de tiempo han sido un gatillo para mi. Mi proceso creativo está profundamente conectado a un lugar, es una respuesta a él, a una realidad. Es un amortiguador para aproximarme, para ser capaz de asimilar lo que me gusta pero también lo que me da temor. 

Y para terminar Nicolás, ¿en qué proyectos te encuentras trabajando actualmente?

Actualmente estoy trabajando en la difusión y circulación de “La vida está en otra parte”, una película de artista en la que estuve trabajando desde el 2010, un documental lírico que muestra un viaje a Atacama y Patagonia en una búsqueda para encontrar la vida. Además estuve a comienzos de este año 2014 filmando en Tánger, Marruecos para un proyecto futuro sobre la inmigración, la búsqueda, la libertad.

Ambos proyectos, tan distantes en geografía y apariencia, apuntan en distintas direcciones al mismo sitio. Vuelven una y otra vez sobre lo mismo, sobre lo de siempre, pero que no puedo nombrar con claridad. Roland Barthes decía, “lo que puedo nombrar no puede realmente conmoverme. La incapacidad de nombrar es un buen síntoma de perturbación”, y es con ese fin que utilizo la imagen, para señalar a lo que no puedo darle nombre, para apuntar lo que me inquieta. 

Damos vueltas por las noches, solo show en Sala Gasco


La exposición estará abierta al público desde el 19 de marzo al 2 de mayo.

La Serie “Damos vueltas por las noches” (2012-2013) toma su nombre del antiguo palíndromo en latín ‘In girum imus nocte et consumimur igni’ (damos vueltas por las noches y el fuego nos consume) -que 
Guy Debord rescató- como un homenaje a los que buscan sin dormir, a los que llevan el fuego, a los que la vigilia y el desvelo les enciende porque no pueden dormir sin sueño.

Luego de vivir y trabajar en Londres por más de un año, Nicolás Sánchez vuelve a Chile para exhibir 10 fotografías y 2 loops infinitos de video, en una muestra que deriva de ‘Meditation on an Ending’, exposición que realizó en el espacio Cecilia Brunson Projects durante septiembre 2013. A partir de recorridos nocturnos, aparecen -y desaparecen- signos de calidez en espacios anónimos como resultado de un proceso de investigación sobre fotografía y video en condiciones de baja luminosidad, usando cámaras digitales intervenidas para experimentar con sensibilidades altas, imágenes de alto rango dinámico y formatos agrandados.

“Damos vueltas por las noches -como todos mis proyectos- comienza de una caminata como proceso para aprehender un lugar. La idea surge de la necesidad por hacer algo con una ciudad que parece inabarcable”, explica Sánchez. Con referentes en el Romanticismo y de la pintura de Edward Hopper, “Damos vueltas por las noches” sugiere una nueva versión de Londres en la captura de distintas escenas nocturnas de bares londinenses tomadas en la madrugada a pocos momentos del cierre. Motivado por la condición ser una ciudad híper fotografiada, el proyecto surge “de la necesidad de hacer algo con esa ciudad infinita, de responder a ese universo que son las grandes ciudades, donde pareciésemos juntarnos para sentirnos menos solos, y paradojalmente nos aislamos en el mismo impulso”, señala.

Así como Edward Hopper pintó el silencio del optimismo material y la Internacional Situacionista se sumó a la avanzada de las vanguardias históricas que vociferaban por terminar con los parámetros de estabilidad y producción capitalista que los mantenía en el aburrimiento, la muestra cita, desde la noche, un escenario repleto de metáforas sobre la experiencia humana en la ciudad revelando paradojas de la vida moderna a través de ese ciudadano melancólico que contempla con distancia el éxtasis del progreso y la vida urbana. Los noctámbulos de todas las épocas han desafiado los horarios y con ello las normas que los mantienen contenidos y nunca contentos, y ese impulso que se mantiene intacto es el que la fotografía intenta rescatar. Ya no es el silencio de Hopper ni el radicalismo Situacionista para cambiar el mundo de raíz; mientras afuera la ciudad duerme, otros traman su propia revolución.

Biografía Nicolás Sánchez L. (1981, Santiago de Chile). Artista UC, MA Artes Visuales UPV Valencia, Premio Juan Downey 2009. Desarrolla una investigación audiovisual (fotografía/film) que mezcla la intervención en el paisaje con la performance. Recientemente su trabajo ha sido expuesto de forma individual en Londres (Cecilia Brunson Projects), Santiago (Galería Metropolitana, BECH) y de forma colectiva en Londres (PintaLondon), Madrid (Medialab Prado, Summa Matadero Madrid), Beirut (98 Weeks Project Space), Montpellier (Espace Kawenga), Praga (MeetFactory) y Santiago (Galería Gabriela Mistral, MNBA, MAC).

Sala Gasco Arte Contemporáneo
Santo Domingo 1061 (Metro Plaza de Armas) Santiago.
19 de marzo al 2 de mayo 2014
Lunes a Viernes de 10:00 a 17:00 hrs.