Nicolas Sanchez L.

Damos vueltas por las noches @ Visioner T.V.

Damos vueltas por las noches en Visioner TV © 2014

We spin around the night and are consumed by fire: Cecilia Brunson talks with Nicolás Sánchez

The sun descending in the west,
The evening star does shine;
The birds are silent in their nest,
And I must seek for mine
Night by William Blake

As human beings, our greatness lies
not so much in being able to remake the world
as being able to remake ourselves
Mahatma Gandhi

Nicolas Sanchez artistic practice is pulled by an incessant need to wander. He has built a consistent and diverse body of work that incorporates performance, film, installation and photography, and many of it is made in wide-ranging and often inaccessible geographic locations such as Siberia and Patagonia. Other works explore themes closer to home: such as the study of the London pubs and the city of London depicted during the ‘graveyard hour’ of the slowest night of the drinking week, as seen in this exhibition at Sala Gasco. Between Walter Benjamin’s Flâneur and Edward Hopper’s Nighthawks, he situates himself as both observer and subject within the work. All in all, Nicolás Sánchez practice makes a deep and evocative argument that oscillates around a permanent sense of loss. Just as Romanticism arose in response to the excess of 18th Century rationalism and its broken utopian promises, Sanchez uses his landscapes as a form of romantic escapism whilst breathing into them a feeling of desperation, melancholy, anger and hope.

The following is a conversation between curator Cecilia Brunson and the artist Nicolás Sánchez that had place on Cecilia Brunson Projects at London, UK, on a rainy Saturday of September 2013.

Nicolas, I have to say that when you came with your first picture, I knew you had a really interesting project in hands, and my fingers itched to make an exhibition. How did you come about these images of pubs at night?

The project arose from the need to do something with that infinite city, to respond to that universe which are big cities where we seem to get together to feel less alone, and paradoxically we isolate ourselves through the same impulse. But London is so hyper photographed that I decided to start exploring the city at night -when everything which is clear and known becomes diffuse without precise boundaries -, on its empty hours, on Sunday midnights. One of the things that immediately caught my attention was this image of the pubs at their closing hour. This old British institution, this gathering place of artists, intellectuals, writers, poets, bohemians and anonymous night owls of every age, appeared for me in a whole new perspective. They were like sinking ships in the middle of the night, where a handful of castaways, contained and never content, seem to want to postpone the damn hour when the bars are about to close. It was a very seductive mix of pleasure and despair but in a kind of harmony. I was at first sight shocked and in love with this image.

And the night itself has been a subject for so many artistic movements...

Especially for the Romantics, that I admire a lot... they found in the night an alternative to the clarity of the enlightenment. I think it is the same again... The night appeared as a stage full of metaphors about the paradox of human experience in the city, about that endless search and our need to complete ourselves.

Yes!, and despite the darkness of the night, there is a sort of warmth coming out of the pub even though it’s at its closing hour...

It is part of this ambivalence of the image, although the pub is closing and this darkness is covering everything, then this sort of warmth appears... they, the patrons are a few, but they are carrying a fire, that is contrasting with the emptiness and quietude of the exterior. It is a very special and beautiful moment with a very special atmosphere...

In London pubs there is still the tradition of calling the closure with the phrase "time gentlemen please"...

Right. The parish rings a bell and announces the closing of the place; beers are hurried, farewells follow and with it the feeling of nostalgia that accompanies any ending. Outside, the city silently falls into shadows and the dim light of the streetlamps guides the last night owls home through empty streets and sidewalks.

And if we associate the work with Hopper obviously, and Manet... Is that something you would associate yourself with?

It was unavoidable, when I saw these pub images, to think in Hopper’s Nighthawks and secondly in Manet as you point...

I am thinking of his “Bar at the Folie-Bergere” painting...

Absolutely, this sad girl behind the bar... but mostly Hopper. He was the portrayer of the great depression at the United States, of the hopeless sensation behind the optimism in the economic growth. I love when Hopper paints empty houses or buildings because he is actually painting people, portraits of people even though you can’t see them

I find that really interesting, because, just like hopper was capturing that moment of depression, you are capturing a city in a moment where there is an absolute affluence, and it’s a culture of excess. Is this a sort of critique?

It’s just the bringing back of historic sensibilities... more than a critique I prefer to talk of an awareness of the gigantic shadows that the future projects in our present -following Shelley, the poet-. And part of the seductiveness of these images is that you can see that affluence but you also can see the other side of the story. The feelings that these images awake may reflect a crisis of excesses, but also of shortcomings. I think that this double reading is interesting because it speaks of feelings transversal to all epochs.

Aha, and the image “Untitled (Lord Southampton, Belsize Park)”; for example? What’s the story behind it?

This has been Martha’s family pub for over 80 years. I know the story because many times, waiting for the perfect time, I went inside the pub and started talking with their owners. Martha is selling the pub, she is closing, nobody is coming, a buyer wants to build luxury apartments there. So I tried too, to make these portraits of pubs, like people’s portraits, just in the way I think Hopper did.

And what role do the photographs of parks in the middle of the night play within the entire photo series?

They are also nocturnal cityscapes of London, but with a wider, more distant gaze. In the logic of the series they function as context, as a more distant portrait but of the same moment in the middle of the night’s deepness. While outside the city sleeps, others plot their own revolution within their hearts, get lost in the nights in order to remake themselves every day, to change everything by changing themselves.

In the photos, but particularly in the video, as a viewer, it is very captivating and you feel a bit like a voyeur...

The idea was to immerse the viewer in this special atmosphere. It is very voyeuristic at first sight, but sometimes you get into the image and become part of the scene too...

And this kind of mounting of the photos, I think it helped a lot…

Exactly. At a quick look, you only see glare and reflections. But having a second gaze you start to see things, you penetrate the surface, you get into the scenery and find details in the shadows and capture the whole atmosphere. It was a way of slowing down the images...

And that’s what I find very appealing as well about this project. Normally I find that in photography, you look at pictures and you capture things immediately, whereas painting needs a different kind of time. And what these photographs do is link both worlds. There is a moment when you begin to see, to discover…

In all my works I always try to slow down the images with a steady and contemplative gaze and aesthetics. This has to do with the actual difficulty of the images to trigger a dive into ourselves. Most images nowadays only allude to the immediate, to the external. I think that art must be capable of slowing down the images as well as ourselves, to make us look inwards and detonate some sort of enquiry...

It’s like when your eyes need a moment to be able to see after entering a dark room

Yes that is a beautiful metaphor!

And the title of this series... ‘We spin around the night’, is also the title of Guy Debord’s 1978 film...

That’s right. The Situationists appeared, as in most of my work, in the act of wandering around the city, in this case, at night looking for pubs. In girum imus nocte et consumimur igni (we spin around the nights and are consumed by the fire) is an old latin palindrome (which can be read equally in both directions) that 
Debord rescued –in my point of view- as a tribute to those who are searching without sleeping and get burnt by the fire...

So the performative component of your work... it is present here too?

Absolutely. Although I do not appear explicitly, for me the performative work is as present as in the other pieces. When you see the whole photo series and the video, with their titles that refer to specific places around the city, you realize in your mind the performance itself. This drifting was the performance and it is very present for me in a more metaphorical and beautiful way sometimes.

Your practice works really nice, reading it as an ethnographical investigation... you travel to different places and do very different things but all linked in a way.

Every place I have inhabited, for long or short periods, was a trigger for me. My creative process is deeply linked to a place; it’s a response to it, to a reality. It is a buffer for approaching it, for being capable of assimilating what I like but also what scares me.

And finally Nicolas, what projects you are currently working on?

I am currently working on the promotion and circulation of "Life is elsewhere", an artist film in which I worked on from 2010, a lyric documentary about a trip to Atacama and Patagonia in search for life. Additionally, I was earlier this year filming in Tangier, Morocco for a future project on immigration and search of freedom.

Both projects, so distant in geography and appearance, point towards different directions but to the same point. They return once and again to the same thing, to the usual, but which I can’t name easily. Roland Barthes said, “what I can name cannot really prick me. The incapacity to name is a good symptom of disturbance”, and it is with that finality that I use the image, to point towards that which I can’t name, that which disturbs me.

Damos vueltas por las noche y el fuego nos consume: Cecilia Brunson en conversación con Nicolás Sánchez

El sol desciende en el oeste.
La estrella nocturna comienza a brillar.
Las aves buscan silenciosamente su nido.
Yo el mío he de buscar
Noche, William Blake

Como seres humanos, nuestra grandeza yace
no tanto en poder rehacer el mundo
sino en poder rehacernos a nosotros mismos.
Mahatma Gandhi 

La práctica artística de Nicolás Sánchez es guiada por una incesante necesidad de andar. Ha construido un cuerpo de trabajo consistente y diverso que incorpora la performance, el video, la instalación y la fotografía. Muchos de los trabajos de Sánchez, se registran en un amplio abanico de lugares geográficos, a menudo inaccesibles como Siberia o la Patagonia. Otras obras exploran temas más cerca de casa, como el estudio nocturno de los pubs y la ciudad de Londres, realizado durante la hora más oscura, en la jornada más lenta del trasnoche semanal, como se puede ver en la actual muestra de Sala Gasco. Entre el Flâneur de Walter Benjamin y los Noctámbulos de Edward Hopper, Sánchez se sitúa a sí mismo tanto como observador y sujeto dentro de la obra. En conjunto, la práctica de Nicolás Sánchez, construye un argumento profundo y evocativo que oscila alrededor de un permanente sentimiento de pérdida. Así como el Romanticismo surge en respuesta a los excesos del racionalismo del siglo XVIII y sus utópicas promesas incumplidas, Sánchez utiliza sus paisajes como una forma de escapismo romántico, mientras impregna en ellos un sentimiento de desesperación, melancolía, ira y esperanza. 

La siguiente es una conversación entre la curadora Cecilia Brunson y el artista Nicolás Sánchez que tuvo lugar en Cecilia Brunson Proyects en Londres, Reino Unido, un lluvioso sábado de septiembre 2013. 

Nicolás, tengo que decir que cuando me mostraste la primera imagen de esta serie, de inmediato supe que tenías un proyecto muy interesante entre manos y que había que mostrar. ¿Cómo llegaste a estas imágenes nocturnas de Londres?

El proyecto surgió de la necesidad de hacer algo con esa ciudad infinita, de responder a ese universo que son las grandes ciudades, donde pareciésemos juntarnos para sentirnos menos solos, y paradojalmente nos aislamos en el mismo impulso. Pero Londres está tan hiper fotografiado que decidí comenzar a explorar la ciudad durante la noche -cuando todo lo claro y conocido se vuelve difuso y sin límites precisos- en sus horas más vacías, los domingos a media noche. Una de las cosas que inmediatamente atrapó mi atención fue la imagen de los pubs a sus horas de cierre. Esta antigua institución inglesa, este lugar de encuentro de artistas, intelectuales, escritores, poetas, bohemios y noctámbulos anónimos de toda época, apareció para mí en una perspectiva enteramente nueva. Eran barcos hundiéndose en la mitad de la noche, donde un puñado de náufragos contenidos y nunca contentos parecieran querer postergar esa hora maldita en que los bares a punto están de cerrar. Era una mezcla muy seductora de placer y desesperación, pero en una especie de armonía. Fue a primera vista que quedé impactado y encantado con esta imagen.

Y la noche misma ha sido un tema para tantos movimientos artísticos…

Especialmente para los Románticos que admiro profundamente… ellos encontraron en la noche una alternativa a la claridad de la ilustración, y creo que es lo mismo nuevamente. La noche apareció como un escenario repleto de metáforas sobre esa paradoja de la experiencia humana en la ciudad, sobre esa búsqueda sin final, sobre encuentros, desencuentros y nuestra necesidad de completarnos.

Si!, y a pesar de la oscuridad de la noche, hay una especie de calidez que sale desde los bares aun siendo sus horas de cierre…

Es parte de la ambivalencia de la imagen; si bien el bar está cerrando y la oscuridad está cubriéndolo todo, esta especie de calor aparece… los clientes son pocos, pero llevan un fuego que contrasta con el vacío y la quietud del exterior. Es un momento muy bello y especial, con una atmósfera muy especial

En los bares de Londres aún existe la tradición del llamado al cierre con el “time gentlemen please”…

Así es. El párroco del lugar da una campanada y vocifera el cierre del lugar; se apuran las cervezas de un sorbo, le siguen despedidas y con eso los sentimientos de nostalgia que despierta cualquier fin. Afuera la ciudad calla en sombras y la débil luz de las farolas guía a los últimos noctámbulos a casa por calles y veredas vacías.

Y si asociamos el trabajo con Hopper obviamente, y con Manet... ¿Es algo con lo que te identificarías normalmente?

Fue inevitable, cuando vi esta imagen de los bares, pensar en los Noctámbulos de Hopper, seguido de Manet como bien dices…

Estoy pensando en su pintura “Un bar del Folies-Bergère”…

Absolutamente, esta chica triste tras la barra... pero principalmente Hopper. Él fue el retratista de la gran depresión en los Estados Unidos, de la sensación de desesperanza tras el optimismo en el crecimiento económico. Me encanta cuando Hopper pinta casas o edificios vacíos, porque está de hecho pintando gente, retratos de personas, aún cuando no puedes verlas.

Eso lo encuentro realmente interesante, porque, así como Hopper estaba capturando ese momento de depresión, tu estás capturando una ciudad en un momento de total abundancia, inserta en una cultura del exceso. ¿Es una suerte de crítica?

Es sólo el rescate de pasadas sensibilidades históricas… más que de una crítica, prefiero hablar de una advertencia de las gigantescas sombras que el futuro proyecta en nuestro presente –siguiendo a Shelley, el poeta inglés-. Y parte de la seducción de estas imágenes es que puedes ver ese exceso, pero también el otro lado de la historia. Los sentimientos que despiertan estas imágenes, pueden ser el reflejo de una crisis de excesos, pero también de carencias. Creo que esa doble lectura es interesante, pues habla de sentimientos transversales a toda época.

Y esta imagen por ejemplo, “Untitled (Lord Southampton, Belsize Park)”; ¿cuál es ese otro lado de la historia?

Éste ha sido el pub familiar de Marta por más de 80 años. Conozco la historia porque muchas veces, esperando el momento perfecto, entraba en los bares y hablaba con sus dueños. Marta está vendiendo el bar, está cerrando, ya nadie viene; un comprador quiere construir departamentos de lujo aquí. Entonces, intento también hacer estos retratos de bares como retratos de personas, de alguna manera como lo hizo Hopper.

¿Y que papel juegan dentro de la serie las fotografías de parques en el medio de la noche?

Son también paisajes urbanos nocturnos de Londres, pero con una mirada más amplia, más distante. En la lógica de la serie funcionan como contexto, como un retrato más alejado pero del mismo momento en medio de la profundidad de la noche. Mientras afuera la ciudad duerme, otros traman su propia revolución en el interior de sus corazones, se pierden por las noches para encontrarse de forma nueva cada día, para cambiarlo todo cambiando ellos mismos.

En las fotos, pero particularmente en el video “Silent plot (The White Lion, Barbican)”, como espectador, es muy cautivante y te sientes un poco como un voyeur…

La idea fue introducir al espectador en esta atmósfera especial. Es muy voyeur como dices en una primera mirada, pero a veces entras en la imagen y te vuelves parte de la escena también...

Y esta técnica de montar y enmarcar las fotografías creo que ayuda mucho en esa dirección…

Exactamente. En un vistazo rápido, sólo ves brillo y reflejos. Pero en una segunda mirada comienzas a ver cosas, penetras la superficie, te metes en el escenario, encuentras detalles en las sombras, capturas la atmósfera completa. Fue una forma de ralentizar, de bajar la velocidad a las imágenes.

Y es eso lo que encuentro muy atractivo también de este proyecto. Encuentro que en general en fotografía, tu miras las imágenes y capturas las cosas de forma inmediata, cuando la pintura por ejemplo, necesita de un tiempo diferente. Y lo que estas fotografías hacen, es justamente vincular esos dos mundos. Hay un momento cuando empiezas a ver, a descubrir…

En todos mis trabajos siempre trato de reducir la velocidad de las imágenes con una mirada quieta y una estética contemplativa. Esto tiene que ver con la actual dificultad de las imágenes para gatillar una inmersión en nosotros mismos. La mayoría de las imágenes hoy en día sólo aluden a lo inmediato, a lo externo. Creo que el arte debe ser capaz de reducir la velocidad de las imágenes y de nosotros mismos, de hacernos mirar hacia adentro y de detonar una especie de pregunta...

Es como cuando tus ojos necesitan un momento para volver a ver al entrar en una habitación oscura…

Si, esa es una bonita metáfora

Y el título de esta serie “Damos vueltas por las noches”, es también el título del film de Guy Debord…

Así es. Los Situacionistas aparecen, como en la mayoría de mis trabajos, en el acto del deambular alrededor de la ciudad, en este caso, por las noches buscando bares. In girum imus nocte et consumimur igni (damos vueltas por las noches y el fuego nos consume) es un antiguo palíndromo en latín (que se lee de igual manera en ambos sentidos) que Debord rescató –en mi manera de verlo- como un homenaje a los que están buscando sin dormir y son consumidos por el fuego…

Entonces el componente performático constante en tu trabajo… ¿está presente aquí también?

Absolutamente. Si bien no aparezco explícitamente, para mí, el trabajo de performance esta tan presente como en otras piezas. Cuando tu ves la serie completa y los videos, con sus títulos que refieren a lugares específicos alrededor de la ciudad, tu imaginas la performance misma. Esta deriva fue la performance, y está muy presente para mí, incluso a veces de manera más poética.

Tu práctica funciona muy bien leyéndola como una investigación etnográfica… tu viajas a distintos lugares y haces trabajos muy distintos, pero todos vinculados de alguna manera...

Todos los lugares que he habitado por largos o cortos periodos de tiempo han sido un gatillo para mi. Mi proceso creativo está profundamente conectado a un lugar, es una respuesta a él, a una realidad. Es un amortiguador para aproximarme, para ser capaz de asimilar lo que me gusta pero también lo que me da temor. 

Y para terminar Nicolás, ¿en qué proyectos te encuentras trabajando actualmente?

Actualmente estoy trabajando en la difusión y circulación de “La vida está en otra parte”, una película de artista en la que estuve trabajando desde el 2010, un documental lírico que muestra un viaje a Atacama y Patagonia en una búsqueda para encontrar la vida. Además estuve a comienzos de este año 2014 filmando en Tánger, Marruecos para un proyecto futuro sobre la inmigración, la búsqueda, la libertad.

Ambos proyectos, tan distantes en geografía y apariencia, apuntan en distintas direcciones al mismo sitio. Vuelven una y otra vez sobre lo mismo, sobre lo de siempre, pero que no puedo nombrar con claridad. Roland Barthes decía, “lo que puedo nombrar no puede realmente conmoverme. La incapacidad de nombrar es un buen síntoma de perturbación”, y es con ese fin que utilizo la imagen, para señalar a lo que no puedo darle nombre, para apuntar lo que me inquieta. 

Damos vueltas por las noches, solo show en Sala Gasco

NICOLÁS SANCHEZ PRESENTA “DAMOS VUELTAS POR LAS NOCHES”

La exposición estará abierta al público desde el 19 de marzo al 2 de mayo.

La Serie “Damos vueltas por las noches” (2012-2013) toma su nombre del antiguo palíndromo en latín ‘In girum imus nocte et consumimur igni’ (damos vueltas por las noches y el fuego nos consume) -que 
Guy Debord rescató- como un homenaje a los que buscan sin dormir, a los que llevan el fuego, a los que la vigilia y el desvelo les enciende porque no pueden dormir sin sueño.

Luego de vivir y trabajar en Londres por más de un año, Nicolás Sánchez vuelve a Chile para exhibir 10 fotografías y 2 loops infinitos de video, en una muestra que deriva de ‘Meditation on an Ending’, exposición que realizó en el espacio Cecilia Brunson Projects durante septiembre 2013. A partir de recorridos nocturnos, aparecen -y desaparecen- signos de calidez en espacios anónimos como resultado de un proceso de investigación sobre fotografía y video en condiciones de baja luminosidad, usando cámaras digitales intervenidas para experimentar con sensibilidades altas, imágenes de alto rango dinámico y formatos agrandados.

“Damos vueltas por las noches -como todos mis proyectos- comienza de una caminata como proceso para aprehender un lugar. La idea surge de la necesidad por hacer algo con una ciudad que parece inabarcable”, explica Sánchez. Con referentes en el Romanticismo y de la pintura de Edward Hopper, “Damos vueltas por las noches” sugiere una nueva versión de Londres en la captura de distintas escenas nocturnas de bares londinenses tomadas en la madrugada a pocos momentos del cierre. Motivado por la condición ser una ciudad híper fotografiada, el proyecto surge “de la necesidad de hacer algo con esa ciudad infinita, de responder a ese universo que son las grandes ciudades, donde pareciésemos juntarnos para sentirnos menos solos, y paradojalmente nos aislamos en el mismo impulso”, señala.

Así como Edward Hopper pintó el silencio del optimismo material y la Internacional Situacionista se sumó a la avanzada de las vanguardias históricas que vociferaban por terminar con los parámetros de estabilidad y producción capitalista que los mantenía en el aburrimiento, la muestra cita, desde la noche, un escenario repleto de metáforas sobre la experiencia humana en la ciudad revelando paradojas de la vida moderna a través de ese ciudadano melancólico que contempla con distancia el éxtasis del progreso y la vida urbana. Los noctámbulos de todas las épocas han desafiado los horarios y con ello las normas que los mantienen contenidos y nunca contentos, y ese impulso que se mantiene intacto es el que la fotografía intenta rescatar. Ya no es el silencio de Hopper ni el radicalismo Situacionista para cambiar el mundo de raíz; mientras afuera la ciudad duerme, otros traman su propia revolución.

Biografía Nicolás Sánchez L. (1981, Santiago de Chile). Artista UC, MA Artes Visuales UPV Valencia, Premio Juan Downey 2009. Desarrolla una investigación audiovisual (fotografía/film) que mezcla la intervención en el paisaje con la performance. Recientemente su trabajo ha sido expuesto de forma individual en Londres (Cecilia Brunson Projects), Santiago (Galería Metropolitana, BECH) y de forma colectiva en Londres (PintaLondon), Madrid (Medialab Prado, Summa Matadero Madrid), Beirut (98 Weeks Project Space), Montpellier (Espace Kawenga), Praga (MeetFactory) y Santiago (Galería Gabriela Mistral, MNBA, MAC).

“DAMOS VUELTAS POR LAS NOCHES” – NICOLÁS SÁNCHEZ
Sala Gasco Arte Contemporáneo
Santo Domingo 1061 (Metro Plaza de Armas) Santiago.
19 de marzo al 2 de mayo 2014
Lunes a Viernes de 10:00 a 17:00 hrs.
ENTRADA LIBERADA

Nicolas Sanchez, el camino de un artista chileno en Londres

Entrevista para Galaxia Up \ Cine, Fotografía y Audiovisual

GU: A modo de contexto, saber sobre tu estadía en Londres, los motivos del viaje, lo que haces actualmente, algún proyecto, etc.

Hace poco más de un año me vine a vivir a Londres. Quería buscar otros espacios y estimular mi proceso creativo ­que siempre ha sido una respuesta a una realidad específica­, profundizando en una investigación audiovisual, que incorpora la performance y la intervención en el paisaje, trabajando con fotografía, video y ahora último cine.

En estos momentos estoy por terminar mi primer largometraje documental llamado Life is elsewhere (La vida está en otra parte). Es un documental lírico que muestra la vida a ras de suelo de 2 personas; Horacio quien estudia un oasis de niebla en pleno desierto de Atacama y Alfonso, que intenta rescatar una estancia ovejera en la Patagonia. Ambas formas de vivir marcan la trama del documental, vinculadas por mi viaje a conocerlos.

Además, otros proyectos surgieron en el camino, como la posibilidad de realizar una exposición individual en la Galería Cecilia Brunson Projects, donde mostré en Septiembre de este año mi último proyecto llamado “We spin around the nights” (Damos vueltas por las noches). Es una serie de fotografías nocturnas en torno a los bares de londres, minutos antes del cierre, siendo el proyecto una mezcla de inspiraciones entre los noctámbulos de Hopper y la idea del flâneur de Walter Benjamin.

GU: ¿Cómo fue tu acercamiento a la fotografía?

Fue sacando fotos, con una Canon Snappy Q de 35mm “point and shoot” que compré cuando tenía 9 años antes de irme de viaje con mis padres a la carretera austral. Luego, siendo ya estudiante en la escuela de Arte de la UC hace 10 años, tomé cursos de fotografía análoga con Jorge Padilla y de Video con Roberto Farriol. Ahí se consolidó mi interés, más que por la foto, por la imagen fotográfica, por el dispositivo, por sus posibilidades, ­por el studium diría Barthes­, pero siempre como parte de una investigación audiovisual más amplia, como herramienta al servicio de la creación de un discurso visual, no atada necesariamente a la tradición fotográfica.

Ahora lo veo con mayor claridad, sobre todo al recordar que mi primera muestra individual al salir de la universidad, fue “lugares vacíos”, una instalación fotográfica basada en mi registro de más de 200 sitios baldíos en Santiago.

GU: ¿Hay algún momento en tu carrera que te haya marcado?

Mi maestría en Europa sin duda. Salir de Chile fue un respiro y una apertura tremenda. Pude acceder a una beca para estudiar en España, donde tuve llegada de primera mano a lo que siempre había visto sólo en libros y al contexto creativo europeo, que para mi era muy estimulante. Además tuve la oportunidad de acceder a laboratorios y experimentar con equipos como nunca antes. Comencé a trabajar con cámaras digitales, de fotografía y de video, y finalmente con los nuevos modelos de DSLR ­con las que trabajo actualmente­ y que hacen  ambas cosas. Es increíble lo que significó en términos de mirada y resultados, utilizar el mismo aparato para ambos fines.

Ahí en España comencé a profundizar en mis intereses; fueron años muy creativos con trabajos como Wild rosehip Jam, Buenos días señor Courbet o Algún lugar encontraré, con el que gané el Premio Juan Downey en 2009, ya de regreso en Chile.

GU: ¿Que papel juega la fotografía en tu trabajo en general?

Como te mencionaba, la fotografía fue el comienzo, me dió las herramientas para profundizar en una mirada, haciéndome consciente de elementos fundamentales para trabajar con cualquier imagen; composición, armonía, encuadre, luz, espacio, tiempo.

Pero luego mis intereses derivaron. Si bien me interesaba la realidad, no me interesaba mayormente el momento ni el fotoreportaje de la tradición fotográfica, sino más bien una fotografía tardía, distante, como retrato de lo que ya pasó, de lo que quedó, pero que sin embargo pareciera apuntar a otro sitio. Finalmente la fotografía como representación nunca es presente, en su anacronía sólo trae al ahora trozos de tiempos indeterminados y es siempre una reflexión sobre la nostalgia, el tiempo y la muerte.

Tiene que ver nuevamente con Barthes, ahora cuando habla del punctum, ese detalle mal educado, íntimo y a menudo innombrable en la foto (lo que puedo nombrar no puede realmente conmoverme, decía), con una fuerza de expansión metonímica (que señala una cosa mediante otra) y que crea un campo más allá de lo fotografiado, un punto de fuga que se dispara al infinito, que adquiere un significado personal, íntimo y particular que conmueve.

Y la búsqueda de esa fuga, sumado al desapego o libertad con respecto a la disciplina, me llevó por caminos diversos, utilizando mucho la fotografía y el video pero sin ser fotógrafo ni videasta, y conservando una forma de ver la realidad que atravesaba toda mi práctica. Es algo para mi muy patente en un trabajo como enganches chapuceros (makeshift taps) en donde diseño un manual para colgarse ilegalmente a los postes de la luz y luego muestro una fotografía de esa acción en un paradero.

GU: ¿Cómo ves el acontecer chileno con respecto la fotografía?

Lo mismo que veo principalmente en las exposiciones y ferias acá en Londres siento que puede estar ocurriendo allá. Hay mucha diversidad; están por un lado los fotógrafos apegados a la tradición, grandes maestros escultores de la luz, los artistas que utilizan la foto como registro, como archivo, como catálogo, como indagación, los padres e hijos de la nueva objetividad y todo un rico infinito de entremedios. Pero también, sobre todo en la experimentación con nuevos medios, hay una fascinación por imágenes que encandilan, que como vienen, se van. Sin distancia, no hay punto de fuga al infinito, no hay flecha punzante, sino seguir llenando el mundo de imágenes.  

Creo que nuevamente tiene que ver con la idea de la mirada. En esa búsqueda, independiente del medio y del modelo, está la insistencia de mostrar, decir y afirmar en una misma dirección. Está presente, como decía Sigfried Giedion, esa pugna humana por llegar a un acuerdo con las fuerzas invisibles a cuya merced está y ha de estar siempre, persiga mamuts o persiga la luna. 

GU: ¿Hay algún fotógrafo chileno que quieras destacar?

Siguiendo el hilo de la entrevista, más que un fotógrafo, quisiera acordarme de un artista que trabaja con fotografía. Un trabajo que volvió a llamar mi atención, fue el de Cristián Silva­-Avaria en Summa Madrid con la Galeria Laura Marsiaj. En su serie “Observaciones transitorias” o el “Reverso Project” hay un trabajo con la fotografía de mucho interés para mi por la forma en que se mueve desde el registro de ciertas situaciones urbanas efímeras, a una mirada completamente análitica sobre el paisaje urbano, aparentemente formal, pero de mucho trasfondo sobre la contradicciones de la experiencia humana en la ciudad contemporánea. 

Life is elsewhere: a documentary film by Nicolas Sanchez

“I went to the woods because I wished to live deliberately, to front only the essential facts of life, and see if I could not learn what it had to teach, and not, when I came to die, discover that I had not lived. I wanted to live deep and suck out all the marrow of life, to live so sturdily and Spartan-like as to put to rout all that was not life...” H.D. Thoreau

For more info visit www.lifeiselsewheredoc.com!

Conversation at Cecilia Brunson Projects

CECILIA Nicolas great to have you in London. I have to say that when you came with your first picture, I knew you had a really interesting project, and my fingers itched to make an exhibition. How did you come about these images of pubs at night?

NICOLAS London is so hyper photographed that I decided to start exploring the city at night, on its empty hours, on sunday midnights. One of the things that immediately caught my attention was this image of the pubs at their closing hour. This old british institution, this gathering place appeared for me in a whole new perspective. They were like sinking ships in the middle of the night, with a very seductive mix of pleasure and despair but in a kind of harmony. I was at first sight shocked and in love with this image.

CECILIA And the night itself has been a subject for so many artistic movements...

NICOLAS Especially for the Romantics, that I admire a lot... they found in the night an alternative to the clarity of the enlightenment. I think it is the same again...

CECILIA Yes!, and despite the darkness of the night, there is a sort of warmth coming out of the pub even though it’s at its closing hour...

NICOLAS It is part of this ambivalence of the image, although the pub is closing and this darkness is covering everything, then this sort of warmth appears... they, the patrons are a few, but they are carrying a fire, that is contrasting with the emptiness and quietude of the exterior. It is a very special and beautiful moment with a very special atmosphere...

CECILIA And if we associate the work with Hopper obviously, and Manet. Is that something you would associate yourself with?

NICOLAS It was unavoidable, when I saw these pub images, to think in Hopper’s Nighthawks and secondly in Manet as you point...

CECILIA I am thinking of his “Bar at the Folie-Bergere” painting...

NICOLAS Absolutely, this sad girl behind the bar... but mostly Hopper. He was the portrayer of the great depression at the United States, of the hopeless sensation behind the optimism in the economic growth. I love when hopper paints empty houses or buildings because he is actually painting people, portraits of people even though you can’t see them

CECILIA I find that really interesting, because, just like hopper was capturing that moment of depression, you are capturing a city in a moment where there is an absolute affluence, and it’s a culture of excess. Is this a sort of critique?

NICOLAS It’s just the bringing back of historic sensibilities... more than a critique I prefer to talk of an awareness of the gigantic shadows that the future projects in our present -following Shelley, the poet-. And part of the seductiveness of these images is that you can see that affluence but you also can see the other side of the story.

CECILIA Aha, and in this image for example?. What’s that’s story behind?

NICOLAS This has been Martha’s family pub for over 80 years. I know the story because many times, waiting for the perfect time, I went inside the pub and started talking with their owners. Martha is selling the pub, she is closing, nobody is coming, a buyer wants to build luxury apartments there. So I tried too, to make these portraits of pubs, like people’s portraits, just in the way I think Hopper did.

CECILIA In the photos, but particularly in the video, as a viewer, it is very captivating and you feel a bit like a voyeur...

NICOLAS The idea was to immerse the viewer in this special atmosphere. It is very voyeuristic at first sight, but sometimes you get into the image and become part of the scene too...

CECILIA And this kind of mounting of the photos, I think it helped a lot

NICOLAS Exactly. At a quick look, you only see glare and reflections. But having a second gaze you start to see things, you penetrate the surface, you get into the scenery and find details in the shadows and capture the whole atmosphere. It was a way for slowing down the images...

CECILIA And that’s what I find very appealing as well about this project. Normally I find that in photography, you look at pictures and you capture things immediately, whereas painting needs a different kind of time. And what these photographies do, it’s linking both worlds. There is a moment when you begin to see, to discover…

NICOLAS In all my works I always try to slow down the images with a steady and contemplative gaze and aesthetics. This has to do with the actual difficulty of the images to trigger a dive into ourselves. Most images nowadays only allude to the immediate, to the external. I think that art must be capable of slowing down the images as well as ourselves, to make us look inwards and detonate some sort of enquiry...

CECILIA It’s like when your eyes need a moment to be able to see after entering a dark room

NICOLAS Yea that is a beautiful metaphor!

CECILIA And the title of this series... is ‘We spin around the night’, which is also the title of Guy Debord’s 1978 film...

NICOLAS That’s right. The Situationists appeared, as in most of my work, in the act of wandering around the city at night looking for pubs. So this gave the name to the original photo series, although the exhibition is called Meditation on an ending. It is an old latin palindrome that 
Debord rescued –in my point of view- as a tribute to those who are searching without sleeping and get burnt by the fire...

CECILIA So the performative component of your work... it is present here too?

NICOLAS Absolutely. Although I do not appear explicitly, for me the performative work is as present as in the other pieces. When you see the whole photo series and the video, with their titles that refer to specific places around the city, you realize in your mind the performance itself. This drifting was the performance and it is very present for me in a more metaphorical and beautiful way sometimes.

CECILIA Your practice works really nice, reading it as an ethnographical investigation... you travel to different places and do very different things but all linked in a way.

NICOLAS Every place I have inhabited for long or short periods, was a trigger for me. My creative process is deeply linked to a place, it’s a response to it, to a reality. It is a buffer for approaching it, for being capable of assimilating what I like but also what scares me

CECILIA And where next?

NICOLAS London still has a lot to squeeze!

CECILIA: Ok Nicolas, great to have you here.

NICOLAS Thanks to you and all the best and luck with your new project

Meditation on an ending: Interview by Emma Lewis

Interview by Emma Lewis for Photomonitor

Nicolás Sánchez (b.1981) is a Chilean artist currently living in London. His practice is driven by an interest in the situations that highlight, and even suggest an alternative to, the conditions of capitalist society. Often this is realised through his own journeys or interventions in urban and rural spaces, which are then presented as short films and photographic series. In Wild rosehip jam (slow food) (2008), he recorded the making and sharing of jam made from fruits picked on a walk through the periphery of the city; in La balsa de Noe (living off) the fat of the land (2011) he documented his navigation of Chile’s Mapocho River on a raft that he constructed from the waste that clogs its waters.

Continuing his interest in the idea of landscape as performance, in Sánchez’s latest series his journey took the form of a pub crawl – although not in the traditional sense. Roaming London’s streets on Sunday evenings during the winter, he adopted the position of the lone outsider looking in, to capture pubs in the hour before closing on the slowest night of the week.

Consisting of a video and six of his series of thirteen photographs, Meditation on an Ending is Sánchez’s first solo UK exhibition and the inaugural exhibition at Cecilia Brunson Projects. His work has been shown in numerous international solo and group exhibitions including the MAC Museum of Contemporary Art, Chile, Borges Cultural Centre, Argentina, and BAC Festival Barcelona, Spain. In 2009 he won the Juan Downey award for video creation. Below, Emma Lewis recently interviewed Sánchez about the background to his works currently on show in London.

Emma Lewis: You have previously described your work in terms of a critique of capitalism: specifically, the idea of observing or creating situations and gestures that counter the homogeneity fostered under this ideology. How did you seek to develop this position in Meditation on an Ending?

Nicolás Sánchez: In all the cultural and artistic movements that interest me (the German Romanticism, the Decadentists, the flâneur poets of the modern era, the Hudson River School, to mention just a few), the night as an image and as a metaphor has been a recurrent subject. Especially during the Romantic movement at the end of the eighteenth century, the night represented an alternative to the suffocating clarity of the Enlightenment, and a fascination with the obscure arose in response to the excesses of rationalism and its misleading utopian promises. Meditation on an Ending brings back this same feeling that the Romantics experienced in their time. Because of the optimistic view based on science and technology as the solutions for all of our problems, we experience a misleading sensation of plenitude, we think everything is being clarified by these means, but – I think – it is not. Mainly because our existence is diverse and random by nature. Meditation on an Ending is an exercise of turning the gaze inwards, to the night of the self, to the infinite night, to the sombre future, to an ending.

EL: What interested you about the pub, specifically the institution of the British pub, with regards to this mood or spirit?

NS: First I was fascinated with the traditional pub as an image (the different decorative styles, the hanging pots outside, the names, those particular signs, and so on) but didn’t know what to do with it. Then I started understanding it as an old institution of convener spirit, as a gathering place for artists, intellectuals, writers, poets, bohemians, drunks and anonymous nighthawks, that have always defied the hours and challenged the norm that keeps them contained but never content. So then I started pub-crawling at night with my camera at that damn hour when pubs are almost closing. Obviously Hopper’s Nighthawks (1942) appeared, as did Manet’s A Bar at the Folies-Bergère (1882), and with them, these images of pubs like sinking ships in the night, a mix of pleasure and despair in a kind of contradictory harmony. It is again the bringing back of historic sensibilities: Hopper was the portrayer of the great depression at the United States, of the emptiness, anguish and hopeless sensation behind the curtain of blinding optimism and faith in the economic growth and material progress.

EL: In the video we observe a pub in this ‘damn hour’. A patron’s occasional, steady movements and an outside light that flickers sporadically are the only movements in an otherwise very still, quiet scene. Is your attention to slowing down and relative absence of action intended as a part of your mode of critique?

NS: In my work there has always been a steady and contemplative gaze and aesthetics. This has to do with the difficulty of images [succeeding in] triggering a dive into ourselves. Most images nowadays – even if they succeed to refer to something else than themselves, even if they get past the surface, to dig furthermore – even then, they only allude to the external. To be able to turn towards the internal, looking inwards, and spark an enquiry – not a desire – art must be capable of slowing down the images as well as ourselves. My works in general and Meditation on an Ending in particular are directed towards this, through a contemplative approach. More than criticizing without pointing to solutions, I look for an awareness of the gigantic shadows that the future projects in our present. That is how I like to read the video you mention, as a metaphor: While the city sleeps and the shadows cover everything, a few people plot their own revolutions, getting lost around the nights to be found in a new way every day, changing everything, changing themselves.

EL: A number of the works in the series are titled ‘We spin around the night’, from the palindrome ‘In girum imus nocte et consumimur igni’ (‘We spin around the night consumed by fire’), the title of Guy Debord’s 1978 film of the same name. Could you explain the significance of this?

NS: Actually this was my second finding, after Hopper and Manet. The Situationists appeared, again as in most of my work, in the act of crawling itself, of drifting around the city at night looking for pubs. The group led by Debord, that as part of the historic avant-gardes vociferated for changing everything from the root, conducted urban derivés as a way to change a world that suffocated them with boredom, juxtaposing to the city grid a human one. So this gave the name to the original photo series, although the exhibition is called Meditation on an Ending. It is an old Latin palindrome as you point it out, that Guy Debord rescued – in my point of view – as a homage to those who are searching without sleeping, to the wakeful who can not rest and get burnt, consumed by the fire while they are spinning around the nights.

EL: Did you apply any structure to your movements through the city? How were you guided around?

NS: I never make any plans in the first attempts. Here I let myself be guided by the night and its power to sharpen our senses. In the middle of the (partial) darkness, silence and solitude, everything resonates in a stronger way; the unknown and the uncertain awake anxieties, fears…. but also cheerfulness and quietude. That frightening beauty that the Romantics called the feeling of the sublime: that is my compass. Unlike controlled causal processes, the creative process – life itself, following Beuys – is not foreseeable. There has to be space for the casualty and imagination, especially at that numinous time at night when forms are ever-changing and diluted. It is a search for metaphors rather than answers, as the only possible way to capture the transcendental which most of the time is blurred or only insinuated.

EL: With the idea of drifting, or the derivé, in mind, I wonder what degree of importance you place on the specifics of geography and location? (For example, the pub frontage and also the red postbox seen in one image are indicative of the country you are in – but the name of the particular establishment has been digitally removed.) What was the decision behind this relative anonymity?

NS: The first cut I did among the pubs that left an impression on me, was to discard the too-bustling pubs and the over or under illuminated ones. After that, I digitally removed only the signs with the names of each pub, not looking for a denial of the place, but in an intention to extend the metaphor to any other pub. The postboxes, phone cabins, transit signage and slightly distinctive frontage of many pubs, despite speaking of a specific country (a detail that I like), are mostly generic urban furniture or archetypal typologies, so I didn’t consider them to interfere with the poetic play. The intent behind this selection process is to choose the best way to give the known the dignity of the unknown, as Novalis says, a higher meaning to the commonplace, to the ordinary a mysterious appearance.

EL: And how about choice of time, too? As you mention there is a sense of quietude, even melancholy, captured in these images of the Sunday evening in the hour before closing time – a feeling that may not have been evoked had you shot at a different time, on a different day of the week….

NS: Absolutely. Going back, London is a place endlessly photographed, full of images of its appearance, immersing myself in its night was the way for me to slow down the images, to make them point inwards again, where we never look in these times of insistent expellant images that have failed – or never wanted – to show us the elemental paradoxes of human condition. The quietude of Sunday midnights were a beginning for this elegy of the night, for those who are looking for themselves, who are in search of something they don’t know but that does not let them sleep, for those who don’t believe in mass revolutions but in small, silent conspiracies.

We spin around the nights at Summa Madrid 2013

Entre el 19-22 Septiembre 2013, estaré mostrando algunas fotos de la serie We spin around the nights en la Feria Summa Madrid, sección Up, junto a Gerardo Pulido, Catalina Bauer, Josefina Guilisasti, Tomás Rivas y Francisca Valdivieso bajo Cecilia Brunson Projects. + info at http://summafair.com/

Damos vueltas por las noches

Por Nicolas Sanchez

Cuando lo claro se vuelve difuso, lo conocido incierto, lo evidente misterioso y lo definido sin límites precisos, aparece un nuevo territorio libre donde coinciden -como en el tango- sabios, suicidas, amantes. La noche como imagen, despierta consigo asociaciones que han estimulado desde siempre el trabajo de artistas, músicos, poetas y escritores con pasajes notables en los románticos alemanes del siglo XVIII, el movimiento decadentista de fin de siglo (XIX) y los poetas flaneurs de la vida moderna. Pero son dos pasajes en el arte del siglo XX los que sirven de punto de partida en este viaje: la pintura Noctámbulos (1942) de Edward Hopper y las derivas de la Internacional Situacionista (1957-1972) encabezada por Guy Debord.

Hopper fue el retratista de la gran depresión estadounidense. Tras su pintura de paisaje urbanos, se colaba el retrato de una nación acosada por la angustia, el agobio y la desesperanza. Sus protagonistas son personajes taciturnos, ciudadanos abandonados en la soledad de las habitaciones de hotel, de los suburbios, en el tedio infinito de despachos sombríos. Incluso en sus cuadros sin personajes, donde la ciudad se presenta vaciada y decadente, la arquitectura cobra vida humana; pinta casas, fábricas y edificios, pero son personas. Los Noctámbulos es un resumen magistral de su personal estética, donde sus melancólicos personajes naufragan por las noches apoyados en barras de bares sin sueños.

The sun descending in the west, The evening star does shine; The birds are silent in their nest, And I must seek for mine. Night by William Blake

Si Hopper fue el pintor del silencio que sigue al optimismo del progreso material, la Internacional Situacionista se sumó a la avanzada de las vanguardias históricas que vociferaban por cambiarlo todo. Desarrollaron la teoría y práctica de la psicogeografía, que planteaba el caminar como un instrumento de interpretación del territorio y al mismo tiempo de modificación simbólica de un sistema inhumano, una sociedad inerte y un mundo que los asfixiaba. Así, abogaban, en principio, por una nueva ciudad, para terminar planificando una nueva sociedad y un nuevo mundo que quebrantase los habituales parámetros de estabilidad y producción capitalista que los mantenia en el aburrimiento, la más moderna forma de control social. De alguna manera, los Situacionistas radicalizan el legado del flaneur que Benjamin detectó en Baudelaire como metáfora nítida de las paradojas de la vida moderna, ese ciudadano melancólico que contemplaba con distancia el éxtasis del progreso y la vida urbana.

… y el fuego nos consume

Bares retratados en plena oscuridad de la noche. El encuadre a media distancia muestra partes de su exterior en sombras, calles vacías iluminadas sólo con la débil luz de las farolas, buzones de correo, bicicletas sin dueño, veredas desoladas. El interior encendido de los bares nos invita a entrar y nos entrega pistas sobre lo que ocurre en su interior. Un puñado de personas parecieran estirar con calor esa hora maldita en que los bares a punto están de cerrar.

Borroneados digitalmente los letreros distintivos de cada pub, su carácter anónimo extiende su metáfora a cualquier bar de esquina. La silueta, deformada y borrosa de los parroquianos a causa de la exposición múltiple y larga de la cámara acentúa esta sensación.

As human beings, our greatness lies not so much in being able to remake the world as being able to remake ourselves. Gandhi

Las tomas contemplativas y silenciosas -agudizada la sensibilidad por el deambular nocturno- contrastan con la pequeña energía en su interior. Individuos que en su complicidad e incesante movimiento parecieran gestar una revolución, montar una fiesta improvisada o quizás simplemente emborracharse hasta la médula antes del fin. Pero los noctámbulos de todas las épocas han desafiado los horarios y con ello las normas que los mantienen contenidos y nunca contentos, y ese impulso que se mantiene intacto es el que la fotografía intenta rescatar. Ya no es el silencio de Hopper ni el radicalismo situacionista para cambiar el mundo de raíz; mientras afuera la ciudad duerme, otros traman su propia revolución en el interior de sus corazones, se pierden por las noches para encontrarse de forma nueva cada día, para cambiarlo todo cambiando ellos mismos.

La Serie Damos vueltas por las noches toma su nombre del antiguo palíndromo en latín In girum imus nocte et consumimur igni (damos vueltas por las noches y el fuego nos consume) -que 
Guy Debord rescató- como un homenaje a los que buscan sin dormir, a los que llevan el fuego, a los que la vigilia y el desvelo les enciende porque no pueden dormir sin sueño.

Public Houses: una breve historia

Hacia mediados del siglo XVIII, el centro de Londres contaba un pub cada 116 personas. Centro neurálgico de negocios, trabajo y transporte, impulsó el establecimiento de espléndidos coaching inns, donde los viajeros podían estacionar los coches, cambiar los caballos, descansar y por supuesto, comer y beber. Pero durante el siglo XIX, la llegada del ferrocarril disminuyó los tiempos, acortó las distancias, y se llevó con su velocidad este tradicional tipo de establecimientos.

Pero al tiempo que desaparecían las casas de postas, el Beer Act de 1830 bajo el reinado de William IV que liberalizó las regulaciones para la fermentación y venta de cerveza, expandió por toda Inglaterra las Public Houses y breweries. A los tiempos de pubs en cada esquina, le siguió luego el auge de los Palacios de Gin en la época Victoriana, -de donde proviene la imagen ícono a la que se asocia el pub inglés- y los últimos años a la moda de recreación, modernización o estandarización de grandes cadenas. Pero si hay algo que no ha cambiado es su espíritu convocante, atomizador como lugar de encuentro de artistas, intelectuales, escritores, poetas, bohemios y noctambulos anónimos.

La historia -y las leyendas- cuentan de que Ye Olde Cheshire Cheese ha recibido en sus barras a través de los años al escritor Dr. Samuel Johnson (1709-1784), a su colega Charles Dickens (1812-1870), al poeta escocés John Davidson (1857-1909) y al irlandés William Butler Yeats (1865-1939). En la Fitzroy Tavern saciaban su sed el pintor Galés Augustus John (1878-1961), su paisano poeta Dylan Thomas (1914-1953, aunque había pocos bares de los que Thomas no hiciese su hogar), y el escritor George Orwell (1903-1950), cerrando la jornada los dos últimos en The Wheatsheaf, luego de tranquear 2 largas cuadras hacia el sur. Y la lista sigue; The Grapes frente al Támesis -citado por Dickens en una de sus novelas-, The Lamb frecuentado también por este último y The French House, popular entre artistas y escritores como el Irlandés Brendan Behan (1923-1964), otra vez Dylan Thomas y Augustus John, el pintor Francis Bacon (1909–1992), su colega Lucian Freud (1922-2011) y el novelista Malcolm Lowry (1909-1957). De los antiguos coach inn’s originales quedan The George en Southwark, pareado al desaparecido The Tabard, lugar en el que Geoffrey Chaucer da inicio a sus Canterbury Tales y The Spaniards Inn en Hampstead que cuenta entre su no despreciable lista de parroquianos con el romántico inglés John Keats (1795-1821), Charles Dickens (...), el autor de Dr Jekyll and Mr Hyde Robert Louis Stevenson (1850-1894), el poeta y pintor simbolista William Blake (1757-1827), sus colegas Sir Joshua Reynolds (1723-1792), John Constable (1776-1837) y William Hogarth (1697-1764), Mary Shelley (1797-1851) -Frankestein- y Lord Byron (1788-1824) -Don Juan-, entre muchos otros.